Despedida

Después de estar varios meses trabajando y entregándole novedades e información sobre diferentes ámbitos de la educación musical, llega aquí el ultimo post.

Se quiere destacar todo lo que hemos trabajado en la asignatura y aprendido a lo largo de este semestre, que tiene directa relación a la evolución de contenido que ha presentado el blog.

                En la asignatura se comenzó hablando de percusión corporal, donde fuimos desarrollando contenidos como los timbres corporales, la escritura de melodías corporales, entre otros temas.

                A continuación, trabajamos la flauta de pico en todos sus ámbitos y enfocado mucho más a la práctica de esta.

                También trabajamos lo que son las TIC´s, en donde trabajamos y aprendidos diferentes programas con los que podemos aplicar música en el aula, aprender en casa y escribir partituras de una manera más amigable.

                Finalmente trabajamos lo que es la instrumentación musical, relacionada con la orquesta y su clasificación, además de desarrollar prácticas en algunos instrumentos. Para este tema después de a ver trabajado todo lo anterior, realizamos una puesta en escena que llevo colocar todo lo que aprendimos en le semestres.  Le dejo el vídeo de nuestra creación musical

“Canción de STRANGER TEAM”

Si Haz sido un seguidor constante en nuestro blog podrás evidenciar como los temas trabajados en clases, lo fuimos desarrollando y expandiendo en este tiempo con nuestros posts.

Espero disfrutaras con nosotros estos meses, como nosotros disfrutamos esta pasantía en la UCA.

Adiós...!


Publicado por Karla Morales Cárdenas 

La Educación Musical en Finlandia

En Finlandia el nivel de educación musical en las escuelas primarias y secundarias varía mucho según los maestros y sus habilidades profesionales. En algunas escuelas hay maestros de música y en otras solo hay maestros de la clase que también enseñan la música. Los meros estudios de magisterio general no dan suficiente capacidades pedagógicas para dar clases de música con valor porque en dichos estudios enseñan poca didáctica musical por las razones de ahorro de recursos. Sin embargo los maestros de clase con solo esta educación general enseñan las asignaturas de música en muchas escuelas primarias e incluso secundarias en Finlandia.

Una evaluación del año 2011 reveló la verdad preocupante que un tercio de los maestros finlandeses enseñando la música no eran elegibles para el trabajo. Eso dice que obviamente en muchas escuelas les dan igual quien enseña la música. Los maestros de la clase si mismos dicen que sienten que sus habilidades no son suficientes para la educación musical. A menudo enseñan a regañadientes porque no se identifican profesionalmente como maestros de música. Los maestros dicen que por su conocimiento de música insuficiente no siempre pueden enseñar las cosas que requieren los planes de estudios. Además de esas cosas, la enseñanza de la música la hacen pesada los grupos grandes y falta de material como instrumentos. En algunas escuelas ni siquiera tienen actuaciones musicales en la fiesta de navidad tradicional. Eso es muy triste. 

La competencia musical de los alumnos está en un nivel insatisfactorio. Según una evaluación nacional la mayoría de los alumnos ni siquiera domina el contenido de las áreas objetivo clave. Los alumnos tienen niveles bastante diferentes de conocimiento, habilidades y actitudes relacionados con la música al fin de la educación básica. Muchos de los estudiantes han perdido el conocimiento esencial de la música, probablemente ya en la primaria, y en la secundaria ya no tienen la oportunidad de corregir estas deficiencias. En comparación con los demás, los resultados de aprendizaje son considerablemente mejores en aquellos estudiantes que estudian música en todos cursos de la secundaria.

Los rectores de las escuelas son responsables del nivel porque ellos son los que eligen los maestros y deciden a cuales cosas su escuela usa los recursos. Y ahora la mayor parte de los rectores están preocupados solamente por los resultados de la prueba Pisa, el nivel de cuales ha empezado bajar en Finlandia en general. Por eso piensan los rectores que si los resultados de Pisa por ejemplo en matemáticas empeoran, se necesitan más matemáticas en la escuela. Sin embargo, no necesariamente va de esa manera. Los objetos de arte pueden ser necesarios para corregir la situación. En todos los países donde los resultados Pisa han salido buenos hay también estudios de arte obligatorios.

Claro que algunos rectores finlandeses están preocupados también por el nivel de educación musical cada año más bajo e intentan revivir la educación musical. También hay escuelas donde la educación musical se encuentra en un buen nivel. Por desgracia este también trae el problema de desigualdad. Las posibilidades iguales de aprender música para todos los alumnos serían muy importantes porque todos los padres no pueden pagar clases de instrumento particulares.

En general en las escuelas primarias y secundarias finlandesas enseñan menos de la música que las otras artes y oficios. Y porque hay pocas clases de dichas materias, las horas de trabajo no bastan para contratar un maestro adecuado para cada materia. Por eso muchas veces dan la responsabilidad de la música a un maestro de una otra materia o de la clase. Y cuando falta un maestro de música competente, tampoco no es posible ofrecer asignaturas de música opcionales. 

Si habría la misma situación con materias como matemáticas o idiomas, eso sería una gran catástrofe nacional. Pero las actitudes hacia la educación musical todavía no han cambiado mucho en el nivel nacional. No les parece importante a la gente, sino inútil e incluso algo pseudocientífica. Por suerte los resultados científicos de que la música tiene muchos beneficios para los cerebros han empezado abrir los ojos de la gente academica poco a poco. Ahora hay que trabajar para cambiar las actitudes y esperar para tiempos más abiertos para la educación holística e igualdad. 

Al fin, para condimentar la atmósfera, aquí teneís una canción infantil finlandesa entrañable que se llama "Oravan pesä" así que "Nido de Ardilla":

Saludos musicales, Aya

Fuentes informaticos:

Juntunen, M-L., ArtsEqual, Policy Brief, 1/2017. 

Puukka, P., Yle Uutiset, 29.11.2017. 

Salin, E., Rondo Classic,15.3.2017. 

Pop lírico: Una forma moderna de acercarse a la música

El Pop operístico, denominado también pópera, «crossover ópera - pop» o «crossover clásico», es un género musical que mezcla y fusiona elementos del estilo de música clásica (canto lírico, ópera y música culta) con la música popular (pop, rock, ligera y latina).

El término "classical crossover", en inglés, fue acuñado por las compañías discográficas en la década de 1980.¹​ Como un género musical definido, ha ganado en popularidad desde la década de 1990 y ha adquirido su propia lista de Billboard.

Entre los grupos musicales y cantantes que interpretan el pop operístico destacan; Andrea Bocelli, Sarah Brightman, Il Divo e Il Volo

Según los historiadores de la música, las canciones de pop operístico se convirtieron más frecuentes con el aumento de los músicos durante los años 1900.​

Una influencia fue la gran afluencia de inmigrantes italianos a los Estados Unidos que popularizaron cantantes como Enrico Caruso e inspiraron la creación de "canciones de la novedad", utilizando el dialecto italiano.Las canciones a menudo utilizadas con repertorios operísticos "para hacer un punto satírico o tópico."

Fusión de canto lírico y música de cámara con música pop

El grupo Il Divo, desde sus orígenes en 2003, ha instaurando una revolución en la música clásica y en todo el panorama musical, legitimando un nuevo estilo musical pionero, denominado pop operístico o pópera. Urs Buhler, Sebastien Izambard, Carlos Marin y David Miller fueron los precursores de un género musical totalmente nuevo,​ el cuarteto destaca entre otros, por su mezcla y fusión musical, el denominado crossover, una revolución dentro del puro género de la ópera debido a su combinación musical de ópera (canto lírico y música culta), con temas de distintos géneros, como la música latina, el pop, el folclore, la mamba, la música sacra, el bolero o el tango.

El trío Appassionante formado por las sopranos italianas Giorgia Villa, Mara Tanchis y Stefania Francabandiera, se inspiran en la tradición lírica italiana con un toque moderno. Es en Alemania donde llega su consagración artística, que las lleva en 2006 al lanzamiento de su primer album llamado "Appassionante" con más de 100.000 discos vendidos en Europa Central. 

A continuación te dejo un claro ejemplo, con una de mis artistas favoritas: Filippa Giordano.

Publicado por Kevin Cruz.

Juegos auditivos

El juego es considerado por muchos como el lenguaje universal.  Por eso esta actividad resulta necesaria para todos, especialmente cuando estamos en la infancia, ya que es en esta etapa en la que desarrollamos nuestras aptitudes físicas, inteligencia emocional, creatividad, imaginación, capacidad intelectual, habilidades sociales, además de afianzar la personalidad y adquirir los valores que regirán nuestras conductas.

Por esta razón, se hace imprescindible que los niños desde temprana edad inicien con diferentes actividades de diversión que les permitan una adecuada estimulación y una potencialización pertinente de sus habilidades.

Gracias a juegos auditivos mejoraremos y estimularemos el hábito de escucha atenta para el reconocimiento de los sonidos, despertando su interés por ser sonidos cercanos a él.
La estimulación auditiva es imprescindible para el disfrute de la música, además de tener influencia sobre la conciencia y la inteligencia del niño.

¿Dónde conseguir estos juegos auditivos?
Tenemos muchas posibilidades, pero yo te voy a presentar una.

Muy buenos ejemplos de las actividades de las cualidades del sonido podemos encontrar en el libro 44 juegos auditivos de autora Pilar Montoro Alcubilla.

Este libro ofrece un material didáctico sencillo, orientativo y práctico para la educación musical con alumnos de Educación Infantil y Educación Primaria. La propuesta que se realiza es una interacción entre la actividad lúdica y los pilares básicos de la audición: el sonido y sus cualidades. Se desarrolla a través de 44 juegos auditivos cuyo soporte son los distintos bloques que configuran la educación musical.

Su contenido se estructura en ocho ejes temáticos con diversos juegos en los que se tratan los elementos del sonido: los parámetros, la exploración sonora, la memoria auditiva, el ritmo, el movimiento, los musicogramas, la canción y los sonidos del otoño.

Juegos auditivos no son solo para los niños. Si quieres, aquí puedes probar un juego auditivo también tú: 

                                                                                                Escrito por Bernarda Hudournik

PROYECTO CANTANIA Andalucía 2018

Nos ocurre muchas veces que las canciones infantiles se nos antojan aburridas, similares y algunas ridículas, no sólo a nosotros, si no también a los niños. Se nos olvida que hay distintas formas de enseñar y de hacer música, como la que nos propone el proyecto que presentamos a continuación.

Cantania es un proyecto de Cantata participativa para alumnos de Educación Primaria, entre 8 y 13 años. Básicamente, se trata de que los alumnos ensayen y preparen desde diciembre las canciones, las coreografías y la escenografía. Todo este proceso es supervisado por el profesor de música de cada clase, que acompañará a los pequeños cantantes en su camino durante la creación. Al final todos actúan en un gran espectáculo, acompañados por profesionales como una orquesta de 8 músicos, cantantes, actores y director musical.

La entidad que ideó este programa es el servicio de L'Auditori de Barcelona, y aunque parezca una iniciativa  tan innovadora y emprendedora, hace 29 años que se lleva a cabo. Pero la cosa no queda ahí. Después de extenderse por Cataluña, a partir de 2004 este proyecto se ha extendido por todo el mundo: Madrid, Valladolid, Salamanca, Zaragoza, Alcanyís, Caracas, México D.C, Mainz, Bremen, Bruselas, y desde hace 2012 está en Sevilla promovido por la plataforma Pasión por la Música.org.

La temática y la letra de las canciones son de interés humano y cercanas a los niños. Un punto que considero interesantísimo es que la temática de cada año se estudia en cada una de las asignaturas que dan los alumnos en el colegio, de manera que es un proyecto que integra todas las áreas de conocimiento.

Os estaréis preguntando cómo se construye todo este proyecto y cómo se lleva a cabo. Pues bien, un año antes se les encarga la obra al escritor y al compositor. En  Septiembre los colegios se inscriben en el programa, y el material para trabajar  en la obra le es enviado a los profesores. Para ellos hay tres sesiones de formación obligatoria sobre dirección musical y escénica. Después se les ofrecen más sesiones voluntarias por si quisieran reforzar sus conocimientos. Tras estas sesiones los profesores trabajan con sus alumnos canciones, coreografías y atrezos con los profesores de plástica. En diciembre las familias de los alumnos hacen donaciones, y entonces en enero se establecen las fechas de los conciertos. Los centros participantes pueden organizar actividades para recaudar fondos. Todo este planteamiento promueve la interacción entre la familia, y la implicación y cooperación entre profesores, familias y alumnos. ¿No es fantástico?


Este año la cantata se titula Partículas y ha sido escrita y compuesta por Sergi Belbel y Lluís Vidal. En boca del autor: "Este año con la Cantata Partículas asistimos al origen y evolución del Universo. Hace unos trece mil ochocientos millones de años hubo una gran explosión: un magma bien espeso que de golpe se expande. Es el origen del mundo; todo es caliente y ardiente. Una especie de sopa caótica e incandescente ... ". 

En este enlace encontramos algunos materiales de este proyecto para que los podamos utilizar y disfrutar:

https://pasionporlamusica.org/materiales-cantania-2018/

Partículas se ha representado este año y el anterior en el Teatro Falla de Cádiz, los días 18, 19 y 20 de mayo. ¡Animaos para el año que viene y difundid la noticia entre vuestros alumnos y profesores!

Publicado por Marta Ayuso

Philippe Jarousky

Philippe Jaroussky (Maisons-Laffitte, Yvelines, 13 de febrero de 1978) es un contratenor francés. Estudió violín, piano, armonía y contrapunto en el conservatorio de Versalles. En 1996, comenzó sus estudios de canto con Nicole Fallien y los continuó en el Departamento de Música Antigua del Conservatorio de París con Michel Laplenie, Kenneth Weiss y Sophie Boulin. Recibió su diploma como violinista de la Facultad de Música Antigua del Conservatorio de París.

Actuó por primera vez en 1999 en el Festival de Royaumont. En este mismo año, intervino en el oratorio de Scarlatti Sedecia en los festivales de Royaumont y Ambronay con Il Seminario Musicale y Gérard Lesne (CD en Virgin Classics). Con la Grande Ecurie et la chambre du Roy, dirigida por Jean-Claude Malgoire, participó en la trilogía de Monteverdi (Orfeo, Il Ritorno di Ulisse y L'Incoronazione di Poppea) y en 2001 cantó el papel de Arbace en Catone in Utica de Antonio Vivaldi , así como el Nisi Dominus del compositor veneciano y el Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi. En 2003, apareció como Nero en el Théâtre des Champs Elysées' en Agrippina Georg Frideric Handel.

Philippe Jaroussky colabora frecuencuentemente con Jean Tubéry y el conjunto La Fenice para los que ha grabado La Morte Delusa de Giovanni Battista Bassani y un Concert chez Mazarin (Virgin Classics). Para el conjunto Matheus, dirigido por Jean-Christophe Spinosi, ha grabado La verità in cimento (Opus 111) así como el papel de Ruggiero en el Orlando Furioso en una actuación en el Théâtre des Champs Elysées para el sello Naïve. Con Gabriel Garrido y el Ensemble Elyma ha grabado la L'incoronazione di Poppea y la Selva Morale e Spirituale de Monteverdi.

Se caracteriza por una técnica virtuosista de melisma para animar y obligar a la interpretación de cantatas barrocas y la ópera. Esto ha contribuido a su inusual repertorio de reactivación. Canta bien con violines de Vivaldi (y conjuntos). Recibió en 2007 el premio al mejor artista lírico francés.

Actualmente, la presentación de una serie de recitales con su propio conjunto, Artaserse, ha interpretado a Telémaco en Ulisse con René Jacobs en la Staatsoper de Berlín y a Eustazio de Rinaldo en la Vlaamse Opera dirigido por Andreas Spering.

Fue el primer considerado del disco para el sello Ambroisie con obras de Benedetto Ferrari. Ha recibido la aclamación de críticos, ganando el Diapason Découverte, Recommande de Repertorio, Timbre de Platine d'Ópera Internacional, Prix de l'Academie Charles Cros, el Gran Premio del Sindicato de la crítica, etc. Su primer disco, como exclusiva para Virgin Classics, se compone de cantatas para contralto y conjunto de Antonio Vivaldi.

Según La Terrasse, «este joven cantante, con el tono de un ángel y el virtuosismo del diablo maldito, ha entrado en el centro de atención en sólo unos pocos años como el nuevo gran talento vocal francés».

Publicado por Kevin Cruz.

XXXV Festival de títeres "El sastrecillo valiente"

El Festival Internacional del Títere de la ciudad de Cádiz pretende darle un mayor impulso al mundo titiritero en su edición N°35 que se celebra del 23 al 25 de mayo.

Este evento quiere mirar de frente a la divulgación del títere en una ciudad con tanta tradición para esto desarrolla varias iniciativas. Entre ellas, la propia programación, la implicación de niños y adolescentes de los centros escolares gaditanos a través de un gran pasacalle, que consiste en dar un paseo no sólo por la bienvenida al Festival del Títere, sino que unirá a más de 800 participantes procedentes de centros de primaria y secundaria donde intervendrán una vez desarrollados sus títeres con material reciclado, así como guiones e incluso música. Esto se trata de la segunda actividad de la Red de Escuela Espacios de Paz y se integra en el proyecto de dinamización del Museo del Títere que dirige Désirée Ortega. El objetivo de esto…

"es generar la inmersión en un mundo que desconocen como el del teatro y del títere, por lo que queremos que formen parte de una forma directa y como protagonistas".

Durante el festival se presentaran alrededor de 17 compañías procedentes de numerosos puntos del país, así como de otros países como Argentina, Chile, Colombia y Polonia, que ofrecerán 34 funciones en total. Entre ellas se destacan las funciones de:

• -       “El sainete” de la compañía de la Tía Norica
• -       “Viene con vuela pluma” de Periferia Teatro que es Premio al Mejor Espectáculo en el Festival Internacional de Marionetas de Tolosa Titirijai 2015
• -       “Con vida” de la compañía de Javier Aranda, que es Premio Fetén 2018 al Mejor Espectáculo de Pequeño Formato

Para mayor información sobre las diferentes funciones y actividades a realizar durante esa semana, te invitamos a ir al enlace.  UNA FORMA DE DISFUTAR EN FAMILIA.

“Este Sastrecillo es mágico, es frágil, es divertido. Es un soplo de felicidad y, sin duda, un paso más, otra piedrecilla que estos amigos van dejando para que los niños descubran el camino que lleva a disfrutar con la cultura y la belleza”

Ademas les dejo algunos vídeos de años anteriores para que no se pierdan esta actividad.

publicado por Karla Morales 

Los parámetros del sonido

Los parámetros del sonido son la altura o tono, la duración, la intensidad o volumen y el timbre.

La altura es la frecuencia o número de vibraciones por segundo, siendo una oscilación completa igual a un ciclo. La medida de la frecuencia se expresa mediante el Hertzio (Hz), que es un ciclo por segundo. En la didáctica deben trabajarse el contraste agudo-grave, la discriminación de tonos o alturas y la digerenciación de voces, objetos e instrumentos que imiten sonidos agudos y graves.

Musicalmente, la duración da lugar a sonidos largos y cortos, las figuras musicales, los diferentes ritmos, el valor del silencio, accelerandos y ritardandos, tempo, etc. Al igual que otras cualidades del sonido, la duración de un instrumento se ve mediatizada por las características físicas de aquél, por ejemplo, la tuba emite sonidos largos y el violín, breves.

La intensidad es la ampitud o tamaño de la vibración de la onda respecto al punto de reposo y refleja la cantidad de energía disponible del sistema vibratorio para ser transmitida. A mayor amplitud de la onda, el sonido será más fuerte. La unidad de medida es el decibelio (dB). Musicalmente, la intensidad determina los acentos, los matices expresivo y los pasos de unos a otros matices. Didácticamente, es necesario considerar que los niños y muchos adultos, en el lenguaje coloquial, confunden agudos y pianos con graves y fuertes.

El timbre marca la diferencia entre dos sonidos de igual intensidad y la misma altura, y viene dado por el número de armónicos que produce el sonido. Los sonidos armónicos son sonidos secundarios que determinan la coloración o personalidad del sonido. En ocasiones se denominan color de sonido o color sonoro. Musicalmente, el timbre da lugar a diversas disposiciones formales en las que se pueden observar contrastes tímbricos, vocales e instrumentales.

Si quieres escuchar diferentes parámetros del sonido en orquesta, escucha este video:

Escrito por Bernarda Hudournik

Practicar música con las Tic's

Actualmente las Tic's son cada vez más utilizadas en el aula como recurso didáctico y la música no se queda atrás pues cada vez existen más páginas y aplicaciones para aprenderla y practicarla. En esta ocasión me gustaría hablar sobre una página web la cual es excelente para la practica teórica, auditiva, rítmica, entre otras. Este sitio está dedicado a los más pequeños, se llama Aprendo Música y tiene un decorado muy original y colorido a manera de juego. A continuación haré un breve resumen de su contenidos.

Aprendo Música

Como en su misma frase inicial lo indica: "Actividades y juegos para aprender y practicar el lenguaje musical". Esta página web está dirigida a la enseñanza primaria y contiene actividades musicales en forma de juegos, creados en 2005 por Octavio Soler, profesor de música de primaria de la Comunidad Valenciana quien se basó en los seis libros de la propuesta didáctica de Crescendo de la editorial Algar. El sitio trabaja con cinco niveles de dificultad los cuales son: 

1. Inicial: trabaja la audición en torno a las cualidades grave/agudo, timbre, etc. Introduce las notas la-sol-mi y las figuras rítmicas básicas y da a conocer los instrumentos musicales más comunes.
2. Intermedio/fácil: Da a conocer las notas de do a la así como el compás y el acento musical. Además busca enseñar los principales instrumentos de orquesta y las diferentes familias.
3. Intermedio: Se ve toda la octava, los compases binarios de dos y tres pulsos y las semicorcheas agrupadas en cuatro.
4. Avanzado 1: trabaja con el contratiempo, la síncopa y el puntillo, introduce la lectura de clave de fa, los conceptos de tono, semitono, intervalo melódico etc.
5. Avanzado 2: su contenido ya es más complejo pues contiene las tonalidades de sol y fa mayor, re  mi menor, funciones tonales (acordes) las escalas mayores y menores y la lectoescritura en el ámbito de dominante.

Además contiene videos tutoriales que muestran cómo se juega en cada actividad. Por su facilidad de uso esta página es una forma didáctica que se adecua perfectamente a aulas de informática, aulas de música provistas de ordenadores, tabletas, pizarra digital y en los hogares, para reforzar los contenidos de música impartidos en los centros de estudio.

Los niños de estos tiempos nacen con la tecnología y que mejor medio para aprender música, como maestro o padre de familia aprovecha estos recursos para que, a manera de juego, los niños aprendan cosas que los formen positivamente.

Emmy Ruvalcaba

¿Cómo tocar la flauta dulce? - Parte 2

Parte 2: La Técnica

Hay diferentes tipos de flautas dulces de varias calidades, marcas y materiales. Las flautas más baratas a menudo están hechas de solo una pieza, pero las flautas de mejor calidad casi siempre contienen tres piezas que se llaman la cabeza, el cuerpo y el pie. Eso facilita su limpieza y permite modificar la afinación al separar la cabeza un pocito del cuerpo. Cuando juntas las piezas de la flauta, no olvides girar el pie ligeramente a la derecha para que puedas cubrir el orificio del pie con tu meñique derecha.

Coge la flauta y adopta una postura buena y apretada. Recuerde que la mano izquierda siempre (seas diestro o zurdo) engrana la parte superior de la flauta y la mano derecha la parte inferior. El pulgar izquierdo debe cubrir el único orificio que hay al dorso de la flauta y los otros dedos de la mano izquierda deben cubrir tres primeros orificios frontales así que el meñique es el único que queda libre. Los dedos de la mano derecha desde el índice hasta el meñique deben cubrir los restos orificios del frente y el pulgar derecho funciona soportando la flauta en el otro lado. Los dedos deben estar óptimamente colocados para evitar chirridos. Que no presiones mucho ni curves los dedos, sino tócala como estuvieras dando las huellas digitales.

Coloque el pico de la flauta suavemente entre tus labios, pero cuida que no lo toques con los dientes. Abra los brazos ligeramente por los lados para que no toquen el cuerpo y empieza soplar suavemente. Que no soples con fuerza para sacar un sonido limpio sin chirridos. Recuerda respirar por la boca en lugar de la nariz después de cada frase musical. La colocación de la lengua es también importante para sacar sonidos limpios de la flauta. Al cambiar de nota la lengua marca la separación. La punta de la lengua debe tocar las encías detrás de los dientes frontales superiores en la misma manera que cuando dices “du”.

Las causas generales de los chirridos son los dedos, el soplado y las burbujas. Así que si has practicado suficiente para que los dedos se queden colocados con firmeza incluso al cambiar de nota y que el soplado no sea demasiado fuerte, pero aún te sale chirridos, puede que haya burbujas de condensación en dentro de la flauta. Eso ocurre especialmente después de tocar la flauta durante más de 15 minutos. Para sacar las burbujas, en lugar de soplar, tienes que aspirar el aire de la flauta o utilizar una mopa para las flautas dulces.

En general la limpieza de la flauta es muy importante para que no aparezca molde en dentro de la flauta y que la flauta no empiece a apestar. Puedes limpiar tu flauta fácilmente después de desmontarla utilizando un palo de limpieza (o un bolígrafo) con tela suave y absorbente (p.ej. un calcetín).

Aquí tienes la tabla de digitación una vez más y abajo un video de consejos para evitar errores comunes con la flauta. ¡Que disfrutes tocar tu instrumento!

Saludos musicales, Aya

Programas musicales - Musescore y LenMus

MUSESCORE

MuseScore es un programa de notación musical. El programa tiene una interfaz de usuario limpia, con una rápida entrada de notas en edición similar al ingreso rápido de notas que tienen otros programas comerciales de notación musical, como Finale y Sibelius. Además al programa existe una base de dato de las partituras de usuarios en el mismo sitio para intercambiar partituras.

Crea, reproduce e imprime partituras de forma gratuita. MuseScore es un programa de edición de partituras. Está traducido a más de una treintena de idiomas y es de código abierto. La mayoría de los elementos en MuseScore se colocan automáticamete en la partitura, pero también pueden ubicarse de forma manual. Las capacidades de MuseScore pueden extenderse mediante plugins, y el repositorio de musescore.org crece día a día con los que los propios usuarios preparan. MuseScore puede subir archivos diréctamente al sitio de compartición de partituras musescore.com.

Si te interesa cómo usar este programa musical, te recomiendo que veas este vídeo:

LENMUS

LenMus es un programa para aprender música que te da una variedad de herramientas muy útiles para que inicies tu proceso de aprendizaje. Con este software puedes mejorar tus habilidades para leer partituras, mejorar tu oído o, para aprender los fundamentos del lenguaje y la teoría de la música mediante la combinación de teoría y una serie de ejercicios interactivos. La dificultad la determina el usuario, que puede en todo momento volver a realizar los ejercicios, escuchar las notas o ver las soluciones. 

LenMus constituye una excelente aplicación para repasar lo aprendido durante las clases de solfeo o para complementar los estudios del conservatorio. Con este programa para aprender música podrás enfocarte en los aspectos que quieras mejorar o practicar, los ejercicios que te presenta este software son adaptables a tus necesidades y ritmo tanto de aprendizaje como de genero. Cuenta con un editor de partituras con el cual podrás crear, modificar, guardar e imprimir todas tus creaciones. 

LenMus es capaz de componer de forma automática partituras para practicar la lectura de notas. El programa las reproducirá y destacará gráficamente a qué nota pertenece cada sonido. 

En la parte técnica del programa podemos anotar que es un programa que puede ser instalado en múltiples plataformas y múltiples lenguajes; es un programa muy completo y gratuito.

Cuál de los dos programas musicales te sirve más? Prueba los dos ;)

                                                                                                Escrito por Bernarda Hudournik

¿Cómo tocar la flauta dulce? - Parte 1

Parte 1: La Digitación

Las flautas dulces tienen diferentes digitaciones y sistemas de afinación. Hay distintas versiones de las flautas dulces: la histórica, la barroca y la alemana. Las diferencias se encuentran en el ancho del taladro interior y el orden y el tamaño de algunos de sus orificios. Por dichas diferencias las digitaciones de algunas notas son diferentes en cada versión.

La digitación histórica es lo que se usaba en los tiempos del Renacimiento y Barroco, pero hoy en día casi nadie la usa por sus dificultades típicas de la época, en su lugar se usa las dos otras versiones: 

La Barroca

Aunque se llama la flauta barroca, no fue la que se usaba en el Barroco. En dicha época todavía no había estándar de las flautas dulces sino que se usaba varias versiones distintas. La digitación barroca se llama también moderna e inglesa porque fue inventado en Inglaterra en el siglo 20. La idea de la invención y la razón porque se llama barroca es que intenta ser como la flauta histórica pero sin las dificultades antiguas. Ahora la digitación barroca es la más establecida por todo el mundo, especialmente en los conservatorios y en general cuando se quiere aprender tocar la flauta dulce seriamente. Aunque tocar algunas notas con la barroca es un poco más difícil que tocarlas con la alemana, la barroca tiene mejor afinación como ventaja.

La Alemana

La digitación alemana fue inventada en 1926 con la intención de no hacer horquillas con los dedos mientras se la toca. Así que la digitación alemana es algo más directa que la digitación barroca y imita la digitación de los instrumentos de tipo Boehm como la flauta traversa, el clarinete y el saxofón para que sea fácil cambiar el instrumento por uno de ellos después de aprender a tocar la flauta dulce. La estructura de la versión alemana facilita la posición de los dedos, pero empeora su afinación en varias notas (en la Soprano Fa# grave, Fa# aguda y Sol# aguda) y hace imposible tocar algunas notas sostenidas.

La Diferencia

En las flautas barrocas el tercer orificio desde el pie es más grande que el cuarto y en las flautas alemanas el tercer orificio desde el pie es más pequeño que el cuarto. Se debe ser específico al comprar una flauta dulce para evitar obtener una flauta incorrecta. Por sus problemas de afinación la flauta alemana se usa únicamente para propósitos menos serios como en la educación musical en la escuela primaria. Eso para que el aprendizaje sea más fácil para que traiga más alegría de tocar un instrumento para los niños.

Al Fin 

 Aquí tienes la tabla de digitación barroca y alemana y abajo un video educacional para aprender a tocar el tema de La Pantera Rosa con la flauta dulce Soprano barroca o la alemana según  preferencias. Puede que el video es un poco avanzado si has empezado aprender a tocar la flauta hace poco, pero que no tengas miedo porque en mi próximo post vamos a aprender un poco de técnica de tocar.

Saludos musicales, Aya

¡Crea tus propios instrumentos!

A menudo, en las clases de Música de Educación Primaria siempre se utilizan los mismos instrumentos musicales, como la flauta, metalófonos, xilófonos, carrillones, maracas, sonajas...

Sin embargo sabemos que los alumnos deben comenzar a aprender música desde la experiencia  de los sonidos desde objetos y situaciones cercanas, por lo que una propuesta muy interesante es construir nuestros propios instrumentos, sobre todo en los primeros cursos de esta etapa. De esta manera podemos comprobar cómo varían los sonidos según la profundidad de los mismos, del material del que esté fabricado, de la fuerza que se aplique y del lugar en el que se haga. Por eso en este post vamos a dar algunas ideas para llevar a cabo en nuestro aula, en casa o donde veamos oportuno. De todas formas, animamos a dejar volar la imaginación y crear vuestras propias ideas.

DJEMBÉ

El djembé es el tambor por excelencia de África occidental. Lo encontramos acompañando danzas y cantos en Mali, Senegal, Guinea, Costa de Marfil, Burkina Faso... Desde esta región del Oeste de África se ha popularizó enormemente y hoy en día nos resulta muy familiar. Con él se puede obtener un sonido grave golpeando en la parte central de la piel y un sonido agudo cuando se golpea la parte lateral.

Tradicionalmente se construye vaciando un tronco de árbol sobre el que se tensa una piel de cabra. Nosotros, en este taller, vamos a utilizar el siguiente material:

- 1 maceta de arcilla o de plástico duro de unos 30 cmde unos 30 cm de diámetro superior
- 1 rollo de cinta adhesiva transparente de 5 cm de anchura
- 1 lata grande de conservas o pintura de unos 20 cm de diámetro, que encaje con la parte inferior de la maceta

Y estas herramientas: Tijeras, cutter y abrelatas.

Paso 1

- Limpiad la maceta con un trapo húmedo para eliminar el polvo y asegurar que la cinta adhesiva se pueda pegar bien.
- Dejadla secar.
- Con un taladro se puede ampliar el orificio inferior de la maceta para mejorar la sonoridad del instrumento.

Si la maceta es de arcilla, hay que hacer agujeros alrededor de un círculo de 10 cm y luego abrir el orificio con un martillo, con mucho cuidado para no romper la maceta. La operación es un poco delicada.
Si la maceta es de plástico duro puedes ampliar el agujero con una lima redonda un poco gruesa y mucha paciencia.

Paso 2

- Cortad trozos de cinta adhesiva con las tijeras y, entre dos personas y pegadlos en la parte superior de la maceta.
- Dibujad una cruz y luego terminad de llenar toda la superficie de lo que será la piel, alternando cada dos tiras verticales con dos tiras horizontales. Cada tira de cinta tiene que cubrir unos 5 mm de las anteriores para ir conformando una piel homogénea.

Paso 3

Tensad bien la cinta, tanto en sentido longitudinal como transversal, y procurad evitar las arrugas.
Esta operación es muy importante, ya que de ella depende el sonido del instrumento.

Paso 4
Cortad con el cutter o las tijeras el exceso de cinta adhesiva en los laterales de la maceta. Reforzad la piel con unas cuantas vueltas de cinta en la parte exterior.

Paso 5
Abrid la lata por los dos extremos y limpiadla bien. Encajad la parte inferior de la maceta en la lata y fijad el conjunto con cinta adhesiva.


Además, para mejorar la sonoridad del instrumento, debemos tener en cuenta lo siguiente:

- La piel se puede reforzar con una segunda capa de cinta adhesiva.
- Si la tensión es adecuada, el sonido del djembé es más consistente.

KESE- KESE

El kese-kese es un instrumento de percusión que se usa en la música de Senegal. Está formado por dos recipientes que contienen semillas y que, al agitarlos o hacerlos chocar entre sí, producen un sonido con el que se acompañan las canciones africanas.

Material:

- 2 botes de plástico con tapa (botes vacíos de pastillas, viejos carretes de fotografía...).
- 60 cm de alambre de 2-3 mm de diámetro (mejor si es alambre forrado de plástico, del que se usa para tender la ropa).
- Arroz, soja, lentejas o cualquier otro grano o semilla (¡sin antes haberlas cocido!). También pueden servirnos piedrecitas pequeñas.
- 1 palo redondo (o cualquier otro objeto similar como un trozo de tubo de plástico rígido) de unos 2,5 cm de diámetro.

Herramientas: Alicates


Paso 1
Con los alicates, cortad el alambre, procurando dejarlo más o menos recto. Dad dos vueltas al palo con el mismo empezando desde un extremo y haced lo mismo con el otro.

Paso 2

Con las manos, y si hace falta con la ayuda de los alicates, trabajad el alambre hasta conseguir una forma parecida a la de la fotografía.

 Paso 3
Encajad los dos botes en las espirales, procurando que queden bien sujetos. Si la presión del alambre no es suficiente, podéis usar un poco de cinta adhesiva para asegurar que los botes no se caigan.

Paso 4
Llenad los botes hasta una cuarta parte con las semillas y cerradlos.

Variaciones: 

Podéis construir varios kese-kese y rellenar los pequeños botes con materiales diferentes. Comprobaréis que el sonido es distinto en cada caso. Con estos instrumentos podéis acompañar vuestras canciones y danzas y también podéis imitar los misteriosos sonidos de la selva africana por la noche...

La música de las esferas

Una antigua doctrina afirmaba que el modelo para la creación del universo estaba basado en el uso de las proporciones musicales. Según esta creencia, los cuerpos celestes producían sonidos que al combinarse formaban la llamada música de las esferas.

Para Pitágoras y sus seguidores, la música era la ciencia de la armonía. La armonía podía ser entendida como el orden de los sonidos y también como el orden divino del cosmos; entre estas dos armonías había una relación. Luego Platón añadió que lo importante no era la música audible.

Según los pitagorinos lo más hermoso era que, los sonidos que producía cada esfera se combinaban con los sonidos de las demás esferas, produciendo una sincronía sonora especial: la llamada “música de las esferas”.

El astrónomo Kepler quien estableció que un astro emite un sonido que es más agudo tanto en cuanto su movimiento es más rápido, por lo que existen intervalos musicales bien definidos que están asociados a los diferentes planetas. Kepler postuló, en su obra Harmonices Mundi, que las velocidades angulares de cada planeta producían sonidos

 Un En abril de 1998 por la NASA, el Transition Region and Coronal Explorer (TRACE), ha encontrado las primeras evidencias de música originada en un cuerpo celeste.

Un satélite de la Nasa ha confirmado la ancestral tradición de la música de las esferas, según la cual los cuerpos celestes emiten sonidos armónicos. Aunque la música de las esferas ha derivado primero en la noción de armonía universal y después en simetría, ahora se ha descubierto que la atmósfera del Sol emite realmente sonidos ultrasónicos y que interpreta una partitura formada por ondas que son aproximadamente 300 veces más graves que los tonos que pueda captar el oído humano. Por Eduardo Martínez.

 Según este descubrimiento, la tradicional música de las esferas consiste en realidad en un “ultrasonido solar” que interpreta una partitura formada, según el satélite de la NASA, por ondas 300 veces más profundas que el sonido de la más profundas vibraciones audibles por el oído humano, con una frecuencia de 100 mili Hertz en periodos de 10 segundos. Un hertz es la frecuencia de un fenómeno periódico cuyo periodo es 1 segundo. El ser humano no puede escuchar sonidos de frecuencia menor a 16 Hz (sonidos infrasónicos), ni mayor de 20 kHz (sonidos ultrasónicos o supersónicos).

 Las ondas ultrasónicas se producen o bien por el choque repentino de flujos electromagnéticamente inducidos en la superficie solar, o bien por el choque de determinadas ondas de baja frecuencia sonora, cuando éstas se levantan como las olas del mar desde la superficie del sol.

El planeta que habitamos también tiene su música, de la cual somos parte. No hace mucho leí  que los científicos estaban notando cambios en el campo magnético de la tierra, según las investigaciones  la intensidad del campo magnético ha estado decayendo durante los últimos 2.000 años. 

Nuestro planeta tiene una vibración que es como su música, sintamonos parte de ella acercandonos a él, a sus mares, a sus campos, a sus montañas todo aquello que nos haga sentir uno con él.

Te invitamos a ver este interesante documental sobre la música de nuestro universo.

 

Publicado por Kevin Cruz